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Victor Alimpiev [Videonale.11] x

Summer Lightnings, 2004, 4:22 Min., Ton, Farbe [Videonale.11]

Dass der Mund nicht nur ein sprechendes, sondern auch ein schweigendes Organ sein kann, zeigt Victor Alimpiev in seiner Arbeit Wetterleuchten [Summer Lightnings]. Dank des schweigenden Mundes erhalten die Augen und Hände einer Gruppe von Schülerinnen eine besondere Vitalität. In einem Klassenzimmer klopfen die Mädchen, deren lebhafte Schönheit in den häufigen Nahaufnahmen präsent wird, auf Tische. Das dabei erzeugte Geräusch verwandelt sich in den kurzen Schnittfolgen des Videos in einen wild aufflackernden Sommernachtssturm. Doch das geheime Handsignal der Mädchen leitet den Rezipienten schnell wieder zurück in die ruhige Welt. Und die Wiederholung dieses Prozesses, in der das Wetterleuchten immer deutlicher wird, scheint wie ein Sommernachtstraum.

Die Stille und Gelassenheit, die oft unbeachtet bleibt, macht sich erst nach dem kurzen - aber heftigen - Sturm bemerkbar. Der starke Kontrast zwischen Sturm und Schweigen bildet den Rhythmus sowie die Spannung dieser Arbeit, die ohne ein einziges Instrument oder Stimmen auskommt und dennoch besonders musikalisch ist.

Die Idee, das Handklopfen mit dem Regenguss zu verknüpfen, basiert nicht nur auf dem ähnlichen Klang, sondern auch auf der Wesensähnlichkeit der beiden. Die sich bewegende Hand und deren Klopfen ist der Natur näher als es die menschliche Sprache sein kann.

Sung Un Gang

 

Stephanie N'Duhirahe [Videonale.11] x

Sans Titre, 2006, 8:18 min, sound, colour [Videonale.11]

A jumble of everyday objects is strewn across the grey concrete floor of a vast hall: a music player, a teapot and spices, a telescope, dishes and cups, a fax, accompanied by various kitchen appliances such as a mixer or toaster, a toilet brush and so on. In her video performance Sans Titre, Stéphanie N'Duhirahe balances barefoot across this hazardous obstacle course without once letting her feet touch the ground. It is a fragile dance atop objects of everyday use that the artist has staged for the camera. The floor of the hall becomes a symbolic abyss, with the performer moving along the edge and constantly threatening to fall in. She finds brief, precarious footholds on the islands formed by the objects. The camera follows her from station to station, at first showing close-ups only of her feet and then increasingly pulling back in the course of the performance until her entire body is seen in the frame and her instability is revealed in full. In her work Sans Titre, Stéphanie N'Duhirahe depicts life as a tightrope act on the stony field of the earth, which we humans traverse with unsure footing. The artistic act symbolizes the fragility of existence on this planet.

Tina Rehn

 

Siri Harr Steinvik & Ignas Krunglevičius [Videonale.11] x

Is that all there is?, 2004, 8:00 Min, Colour, Sound [Videonale.11]

A text scrolls through the opening credits, providing the viewer with background information on what he is abut to see. Is that all there is? documents 25th anniversary of a turbine at the nuclear power plant in Visaginas, Lithuania, whose first reactor is to be decommissioned a few days after the festivities, as a requirement of EU membership. Wobbly amateur shots show a couple up on stage announcing the next part of the program: a film is to be shown about the power plant and its workers. Siri Harr Steinvik's camera slowly moves to a frontal position before the stage, letting the video-watcher share the viewpoint of the guests. But the microphones on the stage partially obstruct the view of the film within a film. They develop a shadow play on the screen, creating a meta-level and becoming an element in their own right. People keep walking past the screen, further heightening our distance to the filmed reality. In the background, a medley of rousing well-known classics plays, underscoring the 'ceremonial' nature of the occasion. And thus the company celebration vacillates just like the projected film between nostalgia and Communist propaganda. The viewer of Is that all there is? finds himself in the bizarre staging of an illusory world, critically illuminated here by Siri Harr Steinvik and Ignas Krunglevicius. 

Cécile Zachlod

 

Freya Hattenberger [Videonale.11] x

Sirene, 2007, 3:30 min., Ton, Farbe [Videonale.11]

A still frontal shot shows the artist herself sitting behind a microphone. She is not using it in the usual way to amplify her voice, however. Not one sound leaves her lips and yet she manages to make herself heard. She encircles the microphone with her lips, moves them back and forth and almost puts her mouth completely over it. Through the exact positioning of the speakers, feedback sounds emerge, and thus what are actually inaudible frequencies can be heard as a howling through the room. Freya Hattenberger plays with the oscillations, makes them sound out and modulates them by moving her mouth, which forms a resonance space. She calls this workSirene, referring to the warning signal but also to the mythological Sirens, who with their entrancing voices lured seafarers to their death in the watery deep. The artist is also a Siren, for she enchants through the use of her body, but at the same time by means of her intelligence and technical knowledge. This work captivates us with the dichotomies it represents: body ? spirit, technology ? sensuality, mythology ? physics, taking up the tradition of feminist video performances. In figurative terms, we watch how the woman makes herself heard within the patriarchal [language] system in a way that is both sensual and intelligent ? by applying her knowledge of physical properties and by using her body.

Marion Scharmann

 

Lia Anna Hennig [Videonale.11] x

Eat Me, 2006, 28:00 min., sound, colour [Videonale.11]

The erotic red mouth of the artist Lia Anna Hennig with its perfect white teeth fills the frame, resembling a painting. As her video performance Eat Me progresses, however, the lips that were so tantalizingly beautiful are gradually transformed by the camera zooming in on the mucous membranes into an amorphous, fleshy mass. The animalistic feel culminates in a close-up of a bubble-gum bubble bursting across the garishly coloured lips. Like a fish eye, the red, meat-like piece of gum rests in the midst of the explosion, until it is greedily sucked back in by the lipstick-smeared mouth. The metamorphosis of the sensory organ into a cell-like substance receives humorous support from the soundtrack. Moaning, lust-filled outcries at the beginning underscore the erotic component, segueing into gnashing teeth and wild smacking sounds to evoke the image of a cannibal. Finally, the bursting of the bubble is acoustically highlighted in comic-like exaggeration by ?ping? and ?pop? sounds. The cognitive process of association is echoed visually by the explosion of colour on the monitor, covering all nuances in the red spectrum. Here, Hennig shows us, tongue-in-cheek as it were, how the mouth can be an ambivalent tool capable of running the gamut from kissing to biting, cannibalism to glamour, eroticism to revulsion.

Nadia Ismail

 

Nick Jordan [Videonale.11] x

let the user speak next, 2006, 10:00 min., Ton, Farbe [Videonale.11]

In Let the user speak next nimmt Nick Jordan den Betrachter mit auf seine Erkundung eines ganz besonderen Ortes: des Dominikanerklosters La Tourette bei Lyon. Der Titel rekurriert auf ein Buch des Architekten Le Corbusier, der den modernistischen Bau nach seinem System des "Modulor" entworfen hat. In Modulor 2 [La parole est aux usagers, 1955] erläutert Le Corbusier die Anwendung dieser seiner auf Anthropometrie und dem Goldenen Schnitt basierenden Proportionslehre, mit der er der Architektur ein menschliches Maß und zugleich eineobjektive Ordnung geben wollte. Kühl, hermetisch und menschenleer präsentiert sich indes der kubische Bau in Jordans Bildern, in denen zunächst einzig die schmalen Fensterscharten sowie kleine Löcher in den nackten Betonwänden eine Verbindung mit dem Inneren zulassen. Aus diesem dringt ein anziehendes Rauschen, das sich zunehmend in die Stimmen der Vögel mischt, die sich vor den Klostermauern auf einem Baum scharen. Die Außenwelt zeigt sich sodann aus der Innensicht in umso intensiveren Farben: Das Blau des Himmels, vor dem die roten Blüten der Bäume aufleuchten, bildet einen starken Kontrast zu dem fahlen Grau des Betons, der nur an vereinzelten, primärfarben gestalteten Luken in einem warmen Licht erscheint. Nick Jordan dokumentiert die spannende Begegnung mit einer Ikone der modernen Architektur, die wie ein Solitär in der sie umgebenden Natur und doch im harmonischen Einklang mit dieser steht.

Tina Rehn

 

Halina Kliem [Videonale.11] x

Real World [still toddling], 2006, 3:04 min., ohne Ton, Farbe [Videonale.11]

Real World [still toddling] ist der Versuch, eine Reise durch die Hürden, Probleme und Hindernisse des Alltags aufzuschreiben ‒ so, wie Halina Kliem diese selbst in ihrer ‚realen Welt‛ erlebt. Die Arbeit folgt dabei einem formalistischen Ansatz: In weißer, serifenloser Schrift erscheint ein fortlaufender Text auf neongrünem Hintergrund, geschrieben von der imaginären Hand der Künstlerin. Dabei lässt sie ihren Gedanken freien Lauf und führt ein spontanes, impulsives wie ehrliches Tagebuch: Halina Kliem offenbart Gefühle und beschreibt Ereignisse. So schildert sie den Eindruck, sich in der ‚realen Welt‛ noch schwankend und trollend zu fühlen wie ein kleines Kind. Ihr Alltag als Künstlerin sei von Abgabeterminen und Bewerbungen geprägt ‒ ebenso von Enttäuschungen, wenn etwa Absagen für Projekte eingehen. Der ständige Selbstzweifel lässt sie über die Psychoanalyse als Alternative zur Kunst reflektieren. Es sind meist die kleinen Hindernisse, die sie besonders beschäftigen: Als ein Geschäft gerade geschlossen hat, in dem sie neue Tinte besorgen will, verfüllt sie fast in eine Depression. Sie beklagt zudem die Einsamkeit vor dem Computer und nimmt sich vor, geselliger und kontaktfreudiger zu werden. In die Funktionstüchtigkeit ihres Internetanschlusses projiziert sie die Erwartung einer Verbesserung ihres Lebens. Nebenbei bemerkt sie, dass ihr Leben an ihr vorbeirennt.
Corina Charlambous

 

Mischa Kuball [Videonale.11] x

Heimkino [Amateurfilm], 1968/2006, 8:05 min, Farbe, Ton [Videonale.11]

Ein Amateurfilm aus den späten 1960er Jahren zeigt Urlaubsimpressionen. Ob es die einheimischen Hunde, die mediterrane Landschaft oder fröhliche Menschen bei ihren Freizeitbeschäftigungen sind: Alles, was gerade verfügbar war, wurde mit der Super 8 Kamera aufgenommen. Die Bilder scheinen keiner Regie zu folgen, ihre Auswahl mutet rein zufällig an und gehorcht auch keiner im klassischen Sinne narrativen Struktur. Mischa Kuball reflektiert hier den populären Versuch, unwiederbringliche Erlebnisse zu konservieren, um sie später im Heimkino [Amateurfilm] wieder aufleben zu lassen. Doch der Versuch, Erinnerungen technisch abrufbar zu machen ist per se zum Scheitern verurteilt: Die Vergangenheit lässt sich auch mit den Mitteln der Heimkinematografie nicht wiederbeleben. Durch die Wiederholung der Bilder im Loop wird dieses Unterfangen ad absurdum geführt. Wie ein Schleier des Vergessens legt sich in Kuballs Video ein schwarzer Schatten vor die privaten Filmaufnahmen. Er gehört der Kamera, deren Präsenz die zeitliche wie persönliche Distanz des Betrachters zu den gezeigten Bildern auch räumlich vor Augen führt. Heimkino [Amateurfilm] thematisiert die technischen Prozesse von Aufnahme und Wiedergabe. Das Abfilmen als künstlerischer Akt schafft eine Metaebene und bietet eine komplexe Reflexion über das Medium Film.

Cécile Zachlod

 

Guangyun Liu [Videonale.11] x

Losing my face, 2005, 5:02 min., Ton, Farbe [Videonale.11]

Die Kamera ist Zeugin des Entstehungsprozesses von Losing my Face, doch vermag sie nicht den Raum zu durchdringen und zu kadrieren. Aus der Froschperspektive fokussiert sie den Künstler, dessen Kopf nur zu erkennen ist, als ihm die Haare zusammengebunden und an einem von der Decke hängenden Seil befestigt werden. Urplötzlich gerät der Kopf in scheinbare Bewegung und schwingt an dem Seil wie ein imaginäres Pendel durch das Bild. Das Gesicht ‒ verstärkt durch eine konstante Verwischung und leichte Unschärfe der aufgenommenen Bilder ‒verzerrt sich zu immer neuen fließenden Formen und Übergängen. Bewegung in Raum und Zeit wird durch die somnambule Bildästhetik optisch erfahrbar. Die Tonspur unterstreicht durch ein rhythmisches Geräusch die Assoziation zu einem Pendel. 

Die zeitliche und räumliche Bewegung geht jedoch nicht von der Person, sondern einzig und allein von der Kamera aus. Der Übergang von Statik in Bewegung geschieht mithin durch eine Maschine. Mit Hilfe von Maschinen setzt der Mensch seine Intentionen um und bringt die Welt in Fluss. Das Gesicht des Künstlers, stellvertretend für das Individuum, verliert sich jedoch im Strom der technologisch geprägten Zeit. Im Prozess des maschinell gestützten Schaffens wird die Welt ihrer ursprünglichen Erfahrbarkeit beraubt. Für einen kurzen Augenblick scheint selbst die Fratze des Todes im Fluss der amorphen Bilder aufzuleuchten.

Johannes Schmidt

 

Nadja Verena Marcin [Videonale.11] x

Die Jogginggehenmusemassnahme, 2006, 15:15 min, Ton, Farbe [Videonale.11]

Die Jogginggehenmusemassnahme eröffnet mit Kameraschwenks über den Hafen von Genf. Der Blick streift über Szenen alltäglicher Betriebsamkeit, die allerdings in der Aufhebung ihrer Linearität, im rewind kurzer Sequenzen, erste Irritationen und mithin Ablösungen von vertrauten Wahrnehmungsmustern erfahren. Ablösungen, wie sie auch für die Narrationsstruktur dieser Arbeit, die sich in der Folge auf eine junge Joggerin konzentriert, prägend sind. Dieser Frau - Marcin selbst - folgt der Betrachter auf ihrem Weg, der sie vom Hafen in einen Park, "das Labyrinth des Gedächtnis und der kulturellen Strukturen", führt. Ebendort, gleichsam im Widerstreit zur diskursiven Etikettierung, spaltet sich eine vorrangig körperlich erotisch orientierte Fantasiewelt ab, stimuliert durch die Schönheit des Tages und den - explizit formulierten - Versuch, der rationalen Domestizierung von Natur diese Natur selbst entgegenzusetzen. Was die Frau auf ihrem weiteren Weg durch die Stadt und in die Nacht hinein immer tiefer in einen assoziativen Fluss von Gedanken und Fantasien führt. Marcins Arbeit artikuliert den Aufbruch und den Freilauf grundlegender Bedürfnisse des Menschen. Diese vermögen sich, evoziert durch den Rhythmus des Lebens selbst, der wiederum im Laufen und im Pulsieren des Blutes - zugleich Impulsgeber des Eros - angeregt wird, aus der Hyperzivilisierung der Welt abzulösen und eine zumindest temporäre Glückseligkeit des Ich hervorzurufen. 

Wolfgang A. Döllerer

 

Julia Oschatz [Videonale.11] x

Hello Hollow, 2005, 4:23 min, Ton, Farbe [Videonale.11]

Ein schwarzer Screen, aufgehellt durch schneetreibende Lichtpunkte, bereitet die Bühne für das Auftreten eines weder als Mensch noch Tier eindeutig zu identifizierenden Lebewesens, welches sich alsbald in wilde Tanzbewegungen ergibt. So beginnt Julia Oschatz' Video Hello Hollow, dessen formale Ausgestaltung wie fast alle Arbeiten der Künstlerin von einer in Schwarz-Weiß-Grautönen gezeichneten Farb-, Stimmungs- und (Ab)Handlungswelt geprägt ist. Die Animation katapultiert den Betrachter in ein nahezu überbordendes Assoziationsspektrum, welches sich jeweils für Momente konkretisiert - wenn etwa die Lichtpunkte sich zum Titel der Arbeit formieren - oder zumindest zu konkretisieren scheint - wenn der Betrachter in dem "Wesen" klar einen Menschen zu erkennen meint. Doch ist es ein Strukturprinzip dieser stark videocliphaft geprägten Arbeit, dass das Konkrete einer Lebens- oder Umweltsituation aufgehoben und in eine generelle Textur transformiert wird. Das "Wesen" in seiner zwischen Mensch und Esel, Wolf oder Hase oszillierenden Abstraktion kann gleichsam als Versinnbildlichung dessen begriffen werden. Hello Hollow erzählt von Archaik, vom Hineingeworfensein dieses "Wesens" in die Welt, von ihm als eben dieser Ausgeliefertem, als gleichsam clowneskem, fremdgesteuertem Akteur auf einer kaum rational greifbaren Gesetzen gehorchenden Bühne, in deren Hintergrund die Projektionen dieser Welt rasend schnell vorbeiziehen.

Wolfgang A. Döllerer

 

Oliver Pietsch [Videonale.11] x

Maybe Not, 2005, 4:25 min, Ton, Farbe [Videonale.11]

Die Endsequenz von Takashi Miikes Remake des Films Graveyard of Honor [1975/2002] von Kinij Fukasaku bildet den Anfang in Oliver Pietschs poetischem Found-Footage-Musikvideo. Eine kurze Meditation vor dem Sprung ins Haltlose - dann die Erlösung durch den freien Fall. Es folgt eine rhythmische Aneinanderreihung von Bildern springender und fallender Menschen, rekrutiert aus Fundstücken der Filmgeschichte. Mit der Montage dieses filmischen Topos, des fallenden Körpers im Raum, visualisiert Pietsch die Ambivalenz furchtbarer Todessehnsucht und verzweifelter Befreiung. Durch den elegischen Popsong der Band Catpower Maybe Not gewinnt das Video die Poesie eines letzten eskapistischen Moments: "We can all be free, maybe not with words, maybe not with a look, but with our mind." Der Refrain bleibt nicht ohne einen zynischen Seitenblick angesichts der grausamen Bilder des Aufschlags, die sich im Verlaufe des Videos immer mehr in die befreiend wirkenden Impressionen des Fallens mischen. Zwischen den artistischen Visualisierungen in Alfred Hitchcocks Vertigo [1958] und den verspielten Computereffekten der Wachowski-Geschwister offenbaren sich die nüchternde Gewalttätigkeit von Chan-wook Parks Old Boy [2003] oder die Blutfantasien eines Takashi Miike. Diese disparaten Sequenzen fügen sich dennoch zu einem homogenen Eindruck, der auch dank der Musik einen bewegenden Abgesang auf die Ambivalenz der Freiheit vermittelt.

Fredreik Geisler

 

Erik Schmidt [Videonale.11] x

Hunting Grounds, 2006, 14:16 min., Ton, Farbe [Videonale.11]

Bereits die ersten Sequenzen von Hunting Grounds offenbaren den starken Gestaltungswillen, mit dem diese Arbeit inszeniert ist. Die Bilder sind von aufwändiger Brillianz, ihre Ausschnitte feinst kadriert ‒ und sie produzieren dem Betrachter in ihrer Dichte eine Unausweichlichkeit, die nicht zuletzt auch der mit Krimielementen durchsetzten Erzählebene eignet. Tatsächlich fällt es schwer, sich deren Spannung zu entziehen. Denn es ist eine, die dem, was die Oberfläche betrachten lässt, im gleichen Moment die unbedingte Vermutung zur Seite stellt, dass sich hinter ihr ein Tor zu einer obsessiven Abgründigkeit öffnet. Ein Tor gleichsam zum Gegenteil dessen, was mit der Welt des Hochadels, der Diner-Soirees und der Jagdgesellschaften sichtbar wird. Vielmehr legt die wortlos inszenierte und neben stark akzentuierter Tonspur nur vom Instrumentarium eines String Quartetts intonierte Arbeit den Blick offen auf ein unerbittliches Grundprinzip des gesellschaftlichen Miteinanders: auf die Mechanismen ‒ und so formuliert es der Künstler selbst ‒ von „Trieb und Verlangen und die darin angelegte Dialektik von Jäger und Gejagtem“. Dass sich Schmidt in der Visualisierung dessen eines vermeintlich überkommenen Sujets bedient, verdichtet die Kraft seiner Arbeit nur umso mehr, insofern als gerade eine extreme Form von Emotionsrepression ‒ in der Etikette der Adelswelt ‒ auf deren nahezu extremste Negation trifft: das animalische (Auf)Begehren.

Wolfgang A. Döllerer

 

Alexej Tchernyi [Videonale.11] x

Fish Soup, 2006, 10:00 min, Ton, Farbe [Videonale.11 mit Ulu Braun]

Fish Soup entführt den Betrachter an unterschiedlichste Schauplätze eines italienischen Küstenortes und lädt ihn ein, das Treiben der Bewohner zu beobachten: Alltägliche und banale Situationen gehen einher mit skurrilen Konstellationen, deren sich allmählich herausbildender Konsens das sorglose Eingreifen des Menschen in die Umwelt ist. Die Erzählung kulminiert in einer Reihe gewaltiger Explosionen unter der Meeresoberfläche: Das verseuchte Wasser brodelt, Dampf steigt auf, tote Fische treiben umher. Doch bilden die folgenschweren Auswirkungen ihres Handelns  - die Zerstörung der Umwelt - für die Bewohner keinen Grund zur Besorgnis. Vielmehr nutzen sie die Katastrophe als Anlass, ausgelassen zu feiern und beginnen die eigens zubereitete Fischsuppe auszulöffeln. Das arglose Verhalten der Menschen wird mittels einer farbenfrohen, naiv wirkenden Bildsprache umgesetzt. Verschiedene Animationstechniken schmücken das Geschehen aus und überblenden es. Braun und Tchernyi liefern mit ihrer Arbeit nicht nur sozialkritische Denkanstöße. Darüber hinaus regen sie den Betrachter an, seinen eigenen Umgang mit der Umwelt zu reflektieren. 

Julia Kürten

 

Corine Stübi [Videonale.11] x

Black Lead, 2006, 7:00 min, Farbe, Ton [Videonale.11]

Corine Stübis wirkungsvolle Videoarbeit Black Lead ist mit dem gleichnamigen Musikstück der britischen Band Death in Vegas unterlegt. Untermalt von dem psychedelischen Elektro-Sound, erzeugen die düsteren und rätselhaften Bilder eine bedrohliche und geheimnisvolle Atmosphäre. In statischen Einstellungen und ruhigen Kamerafahrten werden dem Rezipienten mysteriöse Szenen dargeboten, die sich nur schwerlich zu einem zusammenhängenden Ganzen fügen. Durch die Verknüpfung von Motiven aus Krimis, Märchen und Mythen erschafft Stübi eine surreale Welt, in der vertraute Bilder ihren bekannten Kontext verlieren. So erinnert ein goldener Fußball, der auf die Mitte der Fahrbahn in einer Tiefgarage rollt, an die goldene Kugel aus dem populären Märchen Der Froschkönig. Doch nicht der Frosch, sondern ein Mädchen in einem rosa Kostüm betritt die asphaltierte Unterwelt. In einer anderen Sequenz ist es eine junge Dame in demselben rosa Kostüm - womöglich das Mädchen in einem anderen Lebensalter - welche die Kugel verfolgt. Die verschiedenen Handlungen spielen alle an demselben Ort, wohingegen ihre Chronologie durch Zeitsprünge gebrochen wird.

Thomas Jantschik

 

Jan Verbeek [Videonale.11] x

OSMOTIC, 2006, 3:00 min, Ton, Farbe 

Jan Verbeeks Video Osmotic entstand in der südkoreanischen Hauptstadt Seoul. In der ersten Einstellung nähert sich die Kamera langsam einem jungen Parkhauswächter im grauen Trenchcoat, der mit ausgestreckten Armen passierende Autos jeweils in Richtung einer der zwei Ausfahrten dirigiert. Der grüne Boden des Parkhauses wirkt dabei wie eine regennasse Wiese - eine Assoziation, die durch das Plätschern des Regens noch verstärkt wird. Den Himmel dieser gemäldeartigen Komposition bildet ein großes blaues Schild im Hintergrund. Von diesen intensiven, kontrastierenden Farben hebt sich die graue Figur des Parkhauswächters durch ihre klaren, fast choreografisch anmutenden Bewegungen ab. Das zentrale Motiv der Arbeit ist die Auseinandersetzung Verbeeks mit Bewegung und Statik, mit Klang und Stille. Die Regengeräusche vermischen sich mit anderen akustischen Elementen und werden von tiefen, synthetischen Klängen sowie dem Quietschen von Autoreifen überdeckt. In Überblendungen wechselt mehrfach die Kameraperspektive, bis der Protagonist schließlich durch zwei übereinander gelegte, halbtransparente Einstellungen verdoppelt wird und sich somit selbst gegenüber steht. Die ehemals funktionale Handlung wird zur reinen Performance, der Parkhauswächter zum eleganten Tänzer.

Thomas Jantschik

 

Richard Turner Walker [Videonale.11] x

succesive inconceivable events, 2005, 5:59 min, Ton, Farbe [Videonale.11]

In Successive Inconceivable Events unternimmt Richard Turner Walker den Versuch, einen unmittelbaren Dialog mit der Natur aufzunehmen. Zunächst begegnen uns verschiedene Landschaften, Wälder und Berge, die dem Video mit ihrer einsamen, ruhigen, aber auch kühlen Ausstrahlung eine gemäldeartige Impression geben. Dann tritt der Künstler selbst auf die Szenerie. Aus einem CD-Player, den er auf einem Baumstamm positioniert, erklingt sanft akustische Gitarrenmusik. Der Performer lässt sich - dem Betrachter den Rücken zugewandt - in der Landschaft nieder und beginnt, als die Musik verklingt, ein intimes Gespräch mit der Natur. Darin artikuliert er sein Gefühl einer unnahbaren Distanz und fehlenden Anerkennung seiner eigenen Präsenz durch die Natur, die ihm in ihrer überwältigenden Schönheit, doch zugleich auch mit einer rauen Kälte begegnet. Er verspürt dabei nicht nur einen Mangel an Wärme und Behaglichkeit, sondern letztlich das Fehlen einer jedweden Verbindung überhaupt. Er bewundert die Natur wie eine ferne Geliebte, gleichwohl fühlt er sich von ihr isoliert, ja sogar entfremdet. Richard Turner Walkers Arbeit steht in einer langen Tradition der Naturdialoge und reflektiert die Unmöglichkeit des Menschen, die Natur zu kennen, da sie sich gleichsam seiner Erkenntnis entzieht.

Corina Charalambous

Courtesy of the artist, Christopher Grimes Gallery and Angels Barcelona

 

Kathrin Maria Wolkowicz [Videonale.11] x

zwischen rosen, 2006, 3:04 min., Ton, Farbe [Videonale.11]

Zwei junge Männer führen in einer Turnhalle Übungseinheiten der modernen japanischen Kampfsportkunst Aikido aus. Dazu erklingt eine melancholische Frauenstimme, die ein polnisches Kinderlied über einen König, eine Königin und ihren Pagen singt, deren Liebe zueinander in einem grausamen Schicksal mündet.

Bild und Ton stehen für den Rezipienten des Videos zwischen rosen zunächst in keinem direkten Bezug zueinander. Doch durch die Art der Aufbereitung des Materials verknüpft Kathrin Maria Wolkowicz in ihrer Arbeit die visuelle Ebene mit der akustischen: Einerseits untermalt der ruhige, tragende Gesang die fließenden und ausladenden Bewegungsabläufe der konzentrierten Kämpfer. Andererseits entspricht die Dramaturgie der aneinander gefügten, teilweise rückwärts abgespielten und durch Schwarzblenden unterbrochenen Bildsequenzen der Narration des Liedtextes. Durch dieses Wechselspiel wird der gemeinsame inhaltliche Aspekt beider Ebenen offenbart: die inszenierte Gewalt. Diese wird letztlich durch die Überbetonung der tänzerisch anmutenden Bewegungen des Aikido sowie der Pointe am Ende des Kinderliedes verharmlost und entkräftet. Der Betrachter wird damit zum amüsierten Konsumieren verführt.

Julia Kürten

 

Stefanie Wuschitz [Videonale.11] x

Tetescha us, 2006, 5:00 min, Ton, Schwarz und Weiß [Videonale.11]

Mit animierten Zeichnungen abstrahiert Stefanie Wuschitz das Leben palästinensischer Flüchtlinge im Libanon - ohne sich der alltäglichen Bilder aus dem Nahen Osten plakativ zu bedienen. Die Beendigung des langjährigen Bürgerkrieges 1990 und der folgende wirtschaftliche Aufschwung begründeten die Utopie eines modernen Landes. Zwar leben die Bevölkerungsgruppen unterschiedlicher Glaubensrichtungen und Migrationshintergründe heute friedfertig nebeneinander, doch existieren in der libanesischen Gesellschaft durchaus noch benachteiligte Gruppen. Der Fokus des Videos liegt auf einer Gruppe von Mädchen aus dem palästinensischen Flüchtlingslager Beddawi, welche die Künstlerin zu einem Cartoon-Workshop eingeladen hat. Die Geschichten der Mädchen, die als einzige Farbelemente in das ansonsten schwarz-weiß gehaltene Video eingeflossen sind, handeln von Liebe, Familie oder Verlust. Die Palästinenser in den Flüchtlingslagern besitzen keinerlei Rechte - eine Integration ist ihnen somit verwehrt. Den Mädchen bleibt oft nur eine frühe Heirat. Tetescha us - Arabisch für "Sie überschreitet Grenzen" - reflektiert die Rolle der Frauen, die hier hoffnungsvolle Bilder zeichnen, aber deren Leben durch ihr Geschlecht und die Camps begrenzt ist. Gleichzeitig überschreiten sie die Grenze zum Erwachsensein, was sie für eine Heirat bereit macht.

Philipp Lines Lange

Videonale.11 (15. März – 15. April 2007 im Kunstmuseum Bonn)

Über 650 Einsendungen (aus 51 Ländern)

48 ausgewählte Werke

Kurator: Georg Elben

Der Videonale Preis ging an Beate Geissler & Oliver Sann („fuck the war“).